2022 Recapitária do Festival de Cinema: Melhores e Pior Filmes em Tiff, Telluride e Veneza

Quais filmes impressionaram nos principais festivais deste ano?

Mesmo em um ano em que Steven Spielberg trouxe um filme para Toronto pela primeira vez, foi uma temporada de festivais relativamente sem brilho. O trio de festivais sobrepostos em Veneza, Telluride e Toronto é tipicamente onde muitos indicados de melhor filme são revelados pelo público, mas a corrida do Oscar deste ano parece estar aberta depois que apenas alguns destaques emergiram dos três festivais.

• Quais filmes impressionaram nos principais festivais deste ano?
• os destaques, incluindo os principais vencedores do prêmio
• Outras estreias notáveis com críticas geralmente positivas
• as decepções

A razão pela qual parecia um ano de folga (especialmente em comparação com a ardósia de 2021)? Surprising critical disappointments from directors like Alejandro González Iñárritu, Sam Mendes, Peter Farrelly, and Florian Zeller, whose recent films have all collected Oscar nominations (or wins), and relatively lackluster entries from Noah Baumbach, Darren Aronofsky, Stephen Frears, and other directors que normalmente pontuam muito mais do que este mês.

Não está entre essas decepções, é claro, estava Spielberg, cujo drama semi-autobiográfico The Fabelmans agora parece um favorito da melhor foto depois que o filme impressionou o público e os críticos em sua estréia em Toronto a caminho de levar para casa o prêmio Tiff: The People's Choice Prêmio. Esse prêmio é votado pelo público e não por um júri, ao contrário de muitos outros festivais importantes, mas é um preditor-chave de uma eventual indicação ao Oscar de Melhor Filme-então considere-o um bloqueio.

Outro candidato quase certo de Melhor Filme de Melhor Festival de Melhor Ficultura, The Banshees of Inisherin, veio de THRETLE Billboards Diretor Martin McDonagh. O primeiro filme de Todd Field em 16 anos, Tár,knives de Rian Johnson Out_ Onion de vidro da sequência e as drama de Sarah Polley, as mulheres que falam (talvez o filme mais agitado de Telluride) também podem terminar na corrida de melhor foto depois de marcar excelentes resenhas de festivais, mesmo se seus prêmios-O destino da temporada é muito menos certo. Mas não há incerteza sobre a estrela de Tár, Cate Blanchett, que poderia muito bem ganhar seu terceiro Oscar no início do próximo ano.

Abaixo, recapitamos as reações dos críticos a todos os principais filmes (e alguns programas de TV) que estream nos festivais Telluride, Veneza e Toronto deste ano. Vários títulos do festival já foram lançados ao público na semana passada e não estão incluídos abaixo porque receberam críticas adicionais fora do cenário do festival. Este grupo inclui Pearl, Athena, a última temporada da história das criadas e a mulher rei. Além disso, todos os títulos exibidos pela primeira vez em festivais anteriores este ano (incluindo Sundance e Cannes) também são omitidos.

os destaques, incluindo os principais vencedores do prêmio

2021	Acontecendo	▣
2020	Nomadland	▣
2019	Coringa	▣
2018	Roma	▣
2017	A forma da água	▣
Vencedores recentes do Lion Lion

O mais recente documentário da vencedor do Oscar Laura Poitras (Citizenfour) se concentra na artista Nan Goldin e, em particular, seu protesto contínuo contra a fabricante de Oxycontin Purdue Pharma e seus proprietários, a família Sackler. Há uma conexão entre a família e o mundo da arte-eles usam há muito algumas de suas riquezas farmacêuticas para financiar os principais museus-e Goldin, uma viciada em opióides em recuperação, concentrou seu ativismo nessas instituições. O filme de Poitras entrelaça esses esforços com informações biográficas convincentes sobre a vida familiar e a carreira artística de Goldin.

E ela o faz com sucesso e elegantemente aos olhos do crítico de cenário de cinema David Katz. Sheri Linden, do repórter de Hollywood, tem elogios ainda mais fortes, argumentando que toda a beleza e o derramamento de sangue levam seu trabalho a novas alturas estéticas e profundidades emocionais que Poitras e Goldin reuniram os fios, para a luz, é um Destilação que provavelmente o abalará para o núcleo. E a Sophie Monks, da Indiewire, Kaufman dá ao A Rare A+Grade como um trabalho imponente e devastador de inteligência chocante e poder emocional ainda maior, concluindo, este é um filme avassalador.

O documentário da HBO reduziu os direitos do vencedor surpresa do Lion Golden-apenas o segundo documentário da história de 90 anos do Festival de Veneza para obter o prêmio máximo-pouco após suas exibições de Telluride e Veneza, mas ainda não anunciou um HBO/HBO max Data de estreia para o filme.

Veja como este filme se compara a todos os vencedores de Veneza desde 2000>

Edward Berger (Deutschland 83) dirige essa adaptação do romance de Erich Maria Remarque em 1928 sobre os horrores da Primeira Guerra Mundial. Se o título soa familiar, é porque a adaptação de Lewis Milestone em 1930 ganhou o Oscars de Melhor Diretor e Melhor Filme. Essa produção em língua alemã pode não atingir essas alturas, mas é o filme de guerra de guerra anti-guerra final, segundo Sarah Milner, do /Film, acrescentando que é magistralmente filmado e ritmo, oferecendo imagens nítidas e evocativas da Primeira Guerra Mundial. Marya E. Gates, da lista de reprodução, também acredita: Berger e sua tripulação criaram uma adaptação fiel e emocionante que percebe completamente os temas anti-guerra do romance. E Fionnuala Halligan, da Screen, elogia diariamente as sequências de batalha impressionantemente com meios de guerra nesta adaptação visceral e angústia. Para Steve Pond, do TheWrap, é visualmente espetacular, mas por turnos irritantes e de partir o coração, ambos difíceis de assistir e difíceis de tremer.

O novo filme do escritor-diretor argentino Santiago Mitre (o aluno, Paulina) dramatiza o julgamento das juntas da perspectiva dos promotores Julio Straassera (Ricardo Darín do segredo em seus olhos e Truman) e Luis Moreno Ocampo (Peter Lanzani do The Olhos e Clã) enquanto tentam levar uma ditadura militar à justiça. É um thriller político empolgante e drama no tribunal com uma performance comprometida e digna de prêmios de Ricardo Darín, de acordo com Fionnuala Halligan, do Screen Daily. O crítico de variedades Guy Lodge acredita que é um filme de pessoas sobre a justiça das pessoas, equilibrando a catarse histórica de lágrimas com toques de comédia doméstica de Droll e começou a atrair multidões sobre o boca a boca entusiasmado.

O mais recente do dramaturgo e cineasta Martin McDonagh (três outdoors fora de Ebbing, Missouri, o guarda) ganhou dois prêmios do júri de Veneza: melhor roteiro e melhor ator de Colin Farrell. McDonagh coloca as estrelas de seu filme de Breakout em Bruges-Farrell e Brendan Gleeson-se contraem como amigos ao longo da vida que têm uma briga quando o Colm de Gleeson pede a Padraic de Farrell que nunca mais fale com ele.

Agradecemos também às fortes performances de apoio de Kerry Condon e Barry Keoghan, David Ehrlich, de Indiewire, acredita sua constante corrente de humor oferece às questões mais prementes da história um contexto apropriadamente ridículo, que fala dos absurdos de toda a existência, resultando em McDonagh's Film's Film Desde que em Bruges. Rodrigo Perez, da Lista de Reprodução, também acha que o inisherin é certamente o Magnum Opus cinematográfico de McDonagh até agora, o seu melhor desde Bruges, se não melhor, e certamente mais complexo e moralmente misterioso. Stephanie Zacharek, do Time, elogia a capacidade de Farrell de trazer camadas extras de profundidade e tristeza ao padrão clássico do McDonagh, dando ao filme Iry Soul and Iry Beauty. E John Bleasdale, de Cinevue, acrescenta sua revisão de 5/5 estrelas: The Banshees of Inisherin é uma comédia lindamente e habilmente tocada. É ao mesmo tempo magistral, surpreendentemente comovente e profundo. Seu retrato de uma amizade vacilando acaba tendo como a amizade vital realmente é: o quão vulnerável e nu estamos sem ela.

Luca Guadagnino venceu o Silver Lion de Melhor Diretor do Festival de Cinema de Veneza por essa adaptação do romance de Camille DeAngelis sobre Maren (Taylor Russell, de Waves, que ganhou o melhor ator jovem de Veneza), um canibal adolescente que conhece mais de sua espécie (incluindo Timothée Chalamet, Michael Stuhlbarg-me lembre da reunião de seu nome-e Mark Rylance) durante sua jornada na América dos anos 80 para encontrar sua mãe. Maren forma um relacionamento especial com o Lee de Chalamet, e sua química está fora das paradas, segundo Luke Hicks, do cenário do cinema. No repórter de Hollywood, David Rooney concorda, escrevendo: Tudo o que eles fazem é fácil, sem ar Efeito sutilmente emocionante, e a empatia incansável dos cineastas por Maren e Lee é contagiosa.

Um dos detratores do filme, o crítico de variedades Owen Gleiberman, afirma bones e tudo ser um conceito em busca de uma história e um dos filmes de estrada mais esboços, mais vazios e sinuosos da memória. Stephanie Zacharek, do Time, é mais positiva, achando-o artístico e terno, embora ocasionalmente quase muito tenso e brutal de suportar. E em sua revisão de 5/5 estrelas Peter Bradshaw, do The Guardian, escreve: Ossos e tudo é um horror macabro, uma aventura emo em repulsa, um conto de amor jovem e proibido e uma parábola por esse terrível pensamento secreto, assustador, mas também Eufórico, que entra na cabeça de todos na adolescência: eu sou diferente.

O último documentário do diretor Steve James (Hoop Dreams, The Interrupters, Life Ownd) examina a vida (especialmente o casamento) e as decisões tomadas pelo cientista do projeto de Manhattan, Ted Hall, que compartilhou segredos nucleares classificados com a Rússia. Usando reencenações (uma mudança estilística para James), imagens de notícias, entrevistas de arquivo de Hall e uma nova entrevista com sua esposa de 90 anos, Joan, James conta uma história de amor, um drama de espionagem e uma mini-história de A Guerra Fria, em um documentário íntimo e modesto, mais sobre um casamento do que as tensões geopolíticas, de acordo com Tim Grierson, da Screen Daily. Para o crítico de variedades Guy Lodge, o filme demonstra o nariz característico de seu diretor para material forte e talento para contar histórias emocionantes e diretas. E enquanto Charles Barfield da lista de reprodução admite as opções editoriais estão liderando sua execução, ele ainda considera spy um documentário comovente e atencioso.

A atriz Frances O'Connor (Mansfield Park) faz sua estréia como escritora-diretora com essa biografia imaginada de wuthering Heights Autora Emily Brontë, interpretada pela estrela da educação sexual Emma Mackey. Pouco se sabe sobre a vida de Brontë, mas O'Connor habilmente gerencia o feito de fazer uma peça de período do século XIX explodir com o sentimento contemporâneo, em um filme que cative até o fim, de acordo com Christopher Schobert, da fase do cinema. Escrevendo para o The Guardian, Radheyan Simonpillai fica impressionado com a maneira como o filme capacita as emoções às vezes turbulentas de Brontë, estabelecendo ambientes de acordo com o humor do autor de maneiras que podem ser fascinantes. Jason Bailey, da lista de reprodução, acredita que O'Connor criou um primeiro filme que parece o trabalho de um mestre talentoso e, em sua resenha para a variedade, Jessica Kiang escreve: Além de um romance condenado, o filme também é um singularmente movendo a investigação sobre os mecanismos de relacionamentos entre irmãos que são forjados em amor ao estilo de alma gêmea, mas tingidos de rivalidade e despeito.

A Bleecker Street lançará o filme nos cinemas nos EUA no próximo ano.

2021	Belfast	▣
2020	Nomadland	▣
2019	JoJo Rabbit	▣
2018	Livro verde	▣
2017	Três outdoors fora de Ebbing, Missouri	▣
Vencedores recentes de escolha de pessoas

Steven Spielberg traz suas memórias de infância à vida cinematográfica nesta homenagem a sua mãe e pai que agora parecem ser um grande jogador durante a temporada de prêmios. Escrito por Spielberg (seu primeiro crédito de roteiro em 21 anos) com o colaborador frequente Tony Kushner, o filme vencedor do Tiff People's Choice segue Sammy Fabelman (Mateo Zoryon Francis-Deford como o jovem, Gabriel Labelle como adolescente), sua mãe artística Mitzi ( Michelle Williams), seu pai científico Burt (Paul Dano) e Bennie Loewy (Seth Rogen), o melhor amigo de Burt, à medida que cresce a paixão de Sammy pelo cinema. Isso soma uma ode infinitamente terna e às vezes enevoada às pessoas que o criaram e a paixão singular pelo cinema que o moldou, escreve Leah Greenblatt, de Ew, que acrescenta: Por mais que seja a história pessoal de Spielberg, os fabelmans são Também um testemunho fervoroso e de mão em coração da atração eterna de filmes, feita por um dos principais mágicos do ofício.

O crítico do LA Times, Justin Chang, acredita que o Fabelmans_ pode ser mais precisamente entendido como uma obra singularmente confessional, na qual um grande artista reconhece livre e felizmente a manipulação inerente à forma de arte que nasceu para dominar. E Kenji Fujishima, da Slant, agradece o filme mais do que apenas mais uma carta de amor ao cinema, mas também uma investigação intermitentemente provocativa do meio de um de seus grandes mestres. Para Ross Bonaime, de Collider, é simplesmente um dos filmes mais emocionantes, honestos e pungentes da filmografia já impressionante de Spielberg. E em sua resenha para Polygon, Robert Daniels escreve: Esta não é uma história confessional. Ele concede aos números do mundo real uma graça necessária, as pessoas gentis só encontram depois de sair do outro lado de uma vida inteira de processamento. E apresenta uma marca de artesanato-do bloqueio deliberado a movimentos controlados e engenhosos da câmera-que só ocorre quando você está, bem, Steven Spielberg. Acima de tudo, é uma mensagem empática do diretor para sua mãe.

Veja como este filme se compara a todos os vencedores da TIFF People's Choice desde 2000>

A sequência de Rian Johnson de suas facas de sucesso de 2019 descobre o detetive Benoit Blanc (um Daniel Craig que retornou) em uma ilha grega de propriedade do bilionário Guru Miles Bron Bron (Edward Norton). The guests include a former supermodel (Kate Hudson), her assistant (Jessica Henwick), a conservative media influencer (Dave Bautista), the governor of Connecticut (Kathryn Hahn), a scientist (Leslie Odom Jr.) employed by Miles, and Miles Ex-parceiro de negócios (Janelle Monáe). Quando um jogo de mistério de assassinato se transforma em um assassinato real (ou mais), você sabe quem pode resolvê-lo. Mas não há mais nenhum mistério sobre se oGlass Onion_ pode ou não cumprir o filme anterior: é outro vencedor.

De fato, Ross Bonaime, de Collider, acha que é um ainda maior, mais ambicioso e, de alguma forma, ainda mais divertido que o filme anterior, e Chris Evangelista de /Film concorda: Não apenas Johnson recupera o que fez o primeiro filme, então Especial, ele realmente se supera. Sim, a cebola de vidro é ainda melhor do que as facas. Para Mae Abdulbaki, do Rant Rant, a cebola de vidro é muito divertida, infinitamente carismática e um tanto ridícula. Combinado com um elenco fabuloso, este acompanhamento de facas para as facas (que faz uma escavação no amado jogo de pistas) é profundamente agradável. Para Jason Bailey, da lista de reprodução, parece, francamente, como um milagre em sua capacidade de recuperar a magia do primeiro filme sem recorrer à replicação ou imitação.

Com o icarus de 2017, Bryan Fogel (o dissidente) levou para casa o Oscar de Melhor Recurso de Documentário. Cinco anos depois, Fogel fez a sequência rara que é ainda melhor que a original. Incapaz de estar com o denunciante Grigory Rodchenkov devido a protocolos de segurança, Fogel incorpora Cameraman e o produtor Jake Swantko com Rodchenkov enquanto ele se move constantemente para evitar a detecção e retaliação de agentes russos. Mais é aprendido sobre os esquemas de doping da Rússia e mais é aprendido sobre a vida pessoal de Rodchenkov e o que sua coragem lhe custou. O Steve Pond, do TheWrap, acredita que o resultado é o trabalho de um diretor mais forte e mais garantido e Christian Gallichio da lista de reprodução concorda que Fogel evoluiu como documentário político nos anos seguintes, resultando em um filme que adapta com sucesso o Gênero de thriller de espionagem para o formulário documental com resultados fascinantes. Para Sheri Linden, de Thr, é uma história de imensa bravura e tristeza indescritível, em sua resenha para o Indiewire, Robert Daniels chama aftermath um documento pungente e poderoso sobre os encargos imprevisíveis do heroísmo, enquanto Peter Debruge, de Variety, acha incrível e enrailante em doses iguais. O primeiro filme foi transmitido na Netflix, mas a sequência ainda não alinhou um distribuidor.

Premiado com um prêmio de júri especial em Veneza, o mais recente de agora preso o autor iraniano Jafar Panahi é outra fatia de meta-ficção penetrante, na qual ele encontra uma versão de si mesmo fazendo um filme na vila iraniana de Jabbar e causando um pouco de problemas para o Os moradores depois que o acusam de tirar uma foto de um par de jovens amantes, o que ele nega. É outro sucesso para o diretor, que agora fez cinco filmes (este não é um filme, cortina fechada, táxi, 3 faces) desde que foi banido do cinema em 2010. enganosamente simples a princípio e depois acumulando camadas cada vez mais complexas por Graus quase imperceptíveis, o filme seria uma declaração forte, mesmo sem os limites impostos a Panahi, escreve David Rooney, da Thr. Panahi é um diretor que sempre se misturou e ficção, e aqui a distinção está mais viciada do que nunca, de acordo com Sophie Monks, da Indiewire, Kaufman. Para o crítico diário da tela, Jonathan Romney, é uma obra complexa de densidade romancista... entre as declarações mais ousadas e realizadas de um dos cineastas exemplares do mundo. E o Ben Croll, do TheWrap, proclama No Bears um atordoante.

O acompanhamento do escritor francês Rebecca Zlotowski para uma garota fácil estrela Virginie Efira como Rachel, professora de 40 anos do ensino médio em um relacionamento com Ali, o pai divorciado de uma filha de quatro anos. A partir disso, Zlotowski confirma seu presente para investir fórmulas familiares com frescura e charme, inteligência e sensualidade, de acordo com Jon Frosch, da THR. Em Cinevue, John Bleasdale observa que a atuação é de primeira classe, mas o desempenho surpreendente de Efira é particularmente fascinante. E em sua revisão B+ para a lista de reprodução, Rafaela Sales Ross escreve: Os filhos de outras pessoas são uma ruminação comovente sobre as dores causadas pelos pilares desbotados da paternidade tradicional. É uma oferta rara em sua bondade iluminada e também comovente.

2021	A mão de Deus	▣
2020	Novo pedido	▣
2019	Um oficial e um espião	▣
2018	O favorito	▣
2017	Foxtrot	▣
Vencedores recentes do grande júri

Depois de coletar prêmios no circuito do Festival Internacional para seu documentário de 2021, We, Alice Diop, veio a Veneza com seu primeiro recurso narrativo e levou para casa o prêmio Silver Lion Grand Jury, bem como o prêmio Luigi de Laurentiis de Melhor Estreia. Trabalhando com transcrições reais de julgamento, Diop e co-roteiristas Amrita David (que também editou) e Marie N'Diaye realizam um evento chocante verdadeiro de 2016 e mostram a complexa humanidade dos envolvidos. O filme segue Rama (Kayije Kagame), um jovem romancista que comparece ao julgamento de Laurence Coly (Guslagie Malanga), uma mulher acusada de matar sua filha de 15 meses, abandonando-a para a maré crescente em uma praia no norte da França.

Para Jessica Kiang, da Variety, é enganosamente austera, extraordinariamente multifacetada, um filme que habita uma história chocantemente estranha e triste por dentro. Loved Gyarkye, da Thr Notes, que Diop não se afasta muito de suas raízes de documentários. O filme mantém um senso de naturalismo, mesmo durante seus momentos mais tensos. John Bleasdale, da Cinevue, acredita queomer_ é um filme profundamente intelectual [...], mas também é sincero. Há uma compaixão pela desapaixonamento: uma empatia. E em sua resenha A- para a lista de reprodução, Robert Daniels descreve o drama como um trabalho cativante e abalador de almas transbordando de simpatia gentil.

O sub-label de Neon adquiriu os direitos de distribuição paraSaint Omer_ após sua estréia em Veneza, mas uma data de lançamento não foi definida (embora o filme continue a visitar o circuito do festival durante o outono).

Para seu primeiro documentário que não é do concerto, o diretor Anton Corbijn (Control) se voltou para um assunto que ele sabe mais sobre isso praticamente qualquer outra pessoa viva: arte da capa do álbum. Um fotógrafo de longa data, Corbijn viu seu trabalho enfeitar as capas de álbuns de artistas, incluindo Depeche Mode, U2, R.E.M., Bruce Springsteen e Cabaret Voltaire, entre outros. (Que Joshua Tree Cover? Isso é Anton Corbin!) Ao fazer o círculo, ele transforma seu foco no Hipgnosis, um grupo de design de Londres responsável por algumas das capas mais memoráveis do álbum da história do rock do final dos anos 1960 ao início dos anos 80. (Aquele logotipo prismático para o lado escuro do Pink Floyd O Dark of the Moon que agracia cada dormitório desde 1973? Isso é o Hipgnosis!)

Membros de Pink Floyd, junto com outra realeza do rock como Peter Gabriel, Paul McCartney e Robert Plant, estão entre as cabeças falantes vistas e ouvidas ao longo de circle, que combina novas entrevistas filmadas na marca registrada de Corbijn, em preto e branco de corbijn, com archiv Imagens coloridas e até animação para rastrear a ascensão e queda movimentada da empresa de design e detalham como algumas de suas sessões de fotos mais notáveis foram montadas. Os críticos de Telluride gostaram do resultado. A lista de reprodução Rodrigo Perez considera uma observa obrigatória para os rockologistas em todos os lugares, enquanto o pand de Steve do The Wrap chama o filme de um prazer para qualquer pessoa com gosto por rock, para imagens de rock e para as glórias que podem ser encontradas naquele pedaço daquele pedaço daquele papelão envolto em um disco. Christian Baluvelt, da Indiewire, admite que o documento é convencional, mas acrescenta, pelo menos um mecanismo robusto de entrega de histórias para dizer como o próprio Hipgnosis revolucionou as capas do álbum.

Agora isso é um retorno. O terceiro recurso de Todd Field, após 2001 no quarto e as crianças pequenas de 2006, explora nosso mundo em mudança através da vida fictícia do músico icônico Lydia Tár (Cate Blanchett), amplamente considerado um dos maiores condutores de compositores vivos e a primeira condutora feminina chefe feminina de uma grande orquestra alemã. Blanchett venceu a melhor atriz em Veneza e é a favorita para levar para casa mais estátuas à medida que a temporada de prêmios se aproxima. Seu Tár é uma figura mercurial, propensa a assuntos com protegidos mais jovens, apesar de seu relacionamento amoroso com sua parceira (Nina Hoss), com quem ela tem uma filha. Como Blanchett navega esse papel é uma maravilha. São as melhores 2,5 horas em muito tempo e, mesmo quando o filme balança em seu terceiro final, o Landing parece certo, escreve Michael Phillips, do Chicago Tribune. No Entertainment Weekly, Leah Greenblatt considera um monólito imponente de um filme enraizado em uma performance extraordinária e destruída de Cate Blanchett. De acordo com David Rooney, da THR, é um filme de transfixação que parece nenhum outro, um estudo fascinante de personagens, seus detalhes de granulação fina se estendendo com precisão de agulhamento nos recessos sombrios entre suas cenas oblíquas.

E ainda há mais elogios pelo que poderia acabar como o filme de maior pontuação de 2022, ou pelo menos chegar perto. Aos olhos do crítico de variedades Owen Gleiberman, É o trabalho de um mestre cineasta, no qual o campo nos envolve em uma narrativa de que se desenrola tacada de duplicidade silenciosa, intriga corporativa e, finalmente-obsessão erótica. No entanto, ele faz isso de maneira orgânica de maneira organicamente Por um tempo, você nem percebe que está assistindo a uma 'história'. Após 16 anos, Field voltou para nós com um estudo selvagem, mas extremamente sincero, que se espalhou em um milhão de tons de cinza, escreve David Ehrlich, de Indiewire, que o declara um dos novos e mais emocionantes filmes americanos que ele viu em anos.

O quarto recurso da escritora-diretora Sarah Polley, seguindo-a, pegue esta valsa, e o documentário premiado sobre sua família, histórias que contamos, é uma adaptação do romance de Miram Towes em 2018 sobre um grupo de mulheres (interpretado por Rooney Mara Mara, Claire Foy, Jessie Buckley, Judith Ivey e outros) em uma colônia religiosa enclausurada lutando para decidir como responder a anos de abuso dos homens em quem confiavam. Eles não fazem nada, ficam e lutam, ou saem? Baseado em eventos reais horríveis de uma comunidade menonita isolada na Bolívia, onde oito homens usavam anestésicos bovinos para paralisar e depois estuprar várias mulheres, o filme de Polley é uma exploração gratificante que aborda não apenas o predicamento dos personagens, mas as questões existenciais que enfrentam qualquer contemporâneo Mulher navegando nas configurações patriarcais, escreve Sheri Linden, de Thr. No Entertainment Weekly _, Leah Greenblatt elogia a veia profunda do humor e da humanidade que Polley e seus atores fazem do texto. E em sua revisão para o TheWrap, Tomris Laffly admira como Polley atinge um ritmo hipnotizante entre as mulheres, que atacam o desespero com o humor atrevido (as mulheres conversando são inesperadamente engraçadas em partes) e incerteza com deliberação astutas. O crítico do LA Times, Justin Chang, acrescenta: Tão acentuadamente aprimorado e concentrado, as mulheres conversando têm uma notável fluidez formal e conceitual, resultando em um filme que reúne uma força emocional extraordinária e também algo mais: peso espiritual genuíno.

Além de gerar um pouco de burburinho em sua estréia no Telluride, o Women Talking também terminou como o primeiro vice-campeão a votar na Ward de Choice People de Toronto.

Outras estreias notáveis com críticas geralmente positivas

Escrita por Alanna Francis (o resto de nós), o recurso de Mary Nighy, dirigindo estrelas, estrelou Anna Kendrick como Alice, uma mulher em um relacionamento psicologicamente abusivo com seu namorado, Simon (Charlie Carrick). Quando ela sai de férias com seus melhores amigos (Kaniehtiio Horn e Wunmi Mosaku), Alice ganha o espaço e a perspectiva que ela precisa para ver seu relacionamento pelo que é. De acordo com a Lovia Gyarkye, da THR, é uma estréia emocionalmente inquietante, na qual Kendrick transfixa, afirmando que ela sempre teve profundidade e alcance. Em sua revisão para a lista de reprodução, Marya E. Gates também observa que Kendrick oferece uma performance fenomenal, com seu interior tão distorcido que a tensão é visível em todos os membros, em cada movimento que ela faz. E o Benjamin Lee, do Guardian, concorda, chamando Kendrick de excepcionalmente, assustadoramente eficaz em seu melhor desempenho até o momento, e enquanto seus personagens não são muito além do básico, Mosaku e Horn são excelentes, todas as suas linhas e decisões tomadas tomadas Ter verdadeiro, uma dinâmica autêntica que leva a um momento incrivelmente emocionante de extrema proteção no último ato.

Depois de alguns documentários conceituados sobre Nick Cave (mais uma vez com sentimento, tanto que eu sei ser verdadeiro), o cineasta Andrew Dominik retorna ao cinema narrativo pela primeira vez desde 2012, matando-os suavemente com essa adaptação de Joyce Carol Oates Novel de 2000 sobre a vida interior de Norma Jean Baker, também conhecida como Marilyn Monroe. As preocupações com o elenco de Ana de Armas, pois Monroe agora parecem infundadas, pois seu desempenho é o aspecto universalmente elogiado do que está se tornando um filme divisivo. Scren Daily Fionnuala Halligan admite blonde é um filme tecnicamente qualificado, bem-ação, mas ela não se segura no diretor: Loira não dançava no túmulo, mas Dominik, que se adaptou, pula em Ele, cobrindo todo mundo, incluiu o público, em um filme sujo de voyeurismo. Igualmente impressionado é Phil de Semlyen Of Time Out, que escreve: Por toda a sua liberdade de reimaginar sua vida e resgatá-la da vitimização cultural, Loira está um pouco disposta a escapar o mar e vê-la linguar. Um pouco mais perdoador, a Leslie Felperin, do Guardian, encontra isso por turnos arrebatadores, emocionantes e intensamente irritantes e tudo um pouco-em todos os sentidos. E em sua resenha para Empire, Catherine Bray vê um filme indescritível, mais interessado em superfícies sensuais do que vidas interiores.

Até os críticos que elogiaram o filme admitem ser um relógio difícil. Em sua revisão de 5/5 estrelas para o total de filmes, Jane Crowther reconhece blonde como visualização desconfortável, mas também elogia o filme como cinema envolvente e desenfreado que levará o discurso e dividirá opiniões. E para o crítico de abutre, Bilge Ebiri Blonde é lindo, fascinante e, às vezes, profundamente comovente. Mas também é alienante-novamente, por design-constantemente girando a câmera no espectador, às vezes com Marilyn abordando diretamente. Isso será uma venda difícil, especialmente para um filme que é tão não linear e elíptico. Esse Metascore está vacilando entre verde e amarelo a semana toda, à medida que as críticas continuaram a entrar, mas, por enquanto, parece ter apoio de uma ligeira maioria dos críticos.

Billy Eichner levou seu ato da rua para o cinema como o principal homem do primeiro romances gays major-studio, com um elenco principal de todos os atores LGBTQ+. Eichner, que co-escreveu o roteiro com o diretor Nicholas Stoller (esquecendo Sarah Marshall, o noivado de cinco anos, vizinhos), interpreta um podcaster cínico que começa a questionar seu compromisso com o Aaron de Luke MacFarlane. Imediatamente se junta às fileiras dos grandes rom-coms, de acordo com Ross Bonaime de Collider, que acham hilário, sexy e inegavelmente charmoso [...] do começo ao fim. Sarah Milner, do /Film, acredita que essa história de amor hilária e não convencional parece honesta e real para qualquer pessoa com experiência em espaços LGBTQ+. E Benjamin Lee, do The Guardian, admira como é grande e inteligente de uma maneira que tão poucos filmes dessa escala são hoje em dia, um prazer ser pastoreado através dos movimentos fáceis de uma comédia romântica de pessoas que sabem o que estão fazendo para uma vez.

Após três documentários esportivos (pinguins vermelhos, em busca de grandeza, e o exército metacrítico obrigatório de vencer), o diretor Gabe Polsky retorna ao cinema narrativo com essa adaptação do romance de John Edward Williams, de 1960, sobre Will (Fred Hechinger), uma queda de Harvard Em 1874, o Kansas, que se junta a Miller (Nicolas Cage), um Buffalo Hunter e seus amigos Fred (Jeremy Bobb) e Charlie (Xander Berkeley) em uma expedição ao território do Colorado. As coisas não vão bem. Para David Ehrlich, de Indiewire, este conto mal cozido de uma caça ao búfalo Hunt não tem carne suficiente em seus ossos para capturar o sabor Emersoniano de seu material de origem. Mas Chris Evangelista de /filme foi finalmente levado com o travessia de Butcher e todos os seus horrores. Tomado com as performances comprometidas do pequeno elenco e a paisagem intocada. Também positivo no filme, William Bibbiani, de Thewrap, elogia o desempenho caracteristicamente selvagem e totalmente eficaz de Cage de um ator que se destaca-talvez mais do que qualquer outro-em fazer com que decisões bizarras de atuação pareçam bizarramente naturais.

Estrelando Games of Thrones Breakout Bella Ramsey no papel-título, o segundo recurso da escritora-diretora Lena Dunham para estrear em um festival este ano (após o Sundance de Sharp Stick, desistindo) é uma adaptação do romance Ya de Karen Cushman, 1994, sobre um romance rebordo A adolescente em uma vila inglesa medieval cujo pai (Andrew Scott) espera se casar com ela para cobrir suas dívidas. Para o crítico diário da tela, Tim Grierson, acaba sendo um ataque superficial ao patriarcado, deixando de ser tão mordido ou delicioso quanto se poderia esperar, apesar de uma virada carentemente impudente de Ramsey.

Mas Adrian Horton, do The Guardian, acha essa adaptação completamente agradável, e a crítica de abutres Alison Willmore acredita que liberta Dunham, como se temer seus impulsos criativos distintos lhe dessem a réde Muito dela. Kate Erbland, da Indiewire, acredita que essa comédia de amadurecimento muito divertida captura o espírito de Dunham e o impulso do romance de Cushman, resultando no melhor filme do diretor. E Jason Bailey, da lista de reprodução, concorda: É um passo delicioso na evolução artística de Dunham, uma obra que parece algo novo e leva sua voz distinta.

Nesta estreia, a diretora da Broadway, Lila Neugebauer, Jennifer Lawrence interpreta como soldado lutando para se adaptar à vida em Nova Orleans após uma lesão cerebral traumática. Ela encontra uma amizade provisória com um mecânico (Brian Tyree Henry) se recuperando de um grande acidente de carro. Para C.J. Prince of the Film Stage, é sortudo que Neugebauer tenha um talento tão forte para elevar o que está trabalhando, pois ajuda a resgatar a calçada de uma coleção esquecível de clichês de drama indie em algo mais respeitável. Da mesma forma, David Rooney, da THR, acredita que a química entre esses dois excelentes atores, cada um deles bastante distinto em estilo, se esgueirar com você e enriquece esse drama modesto sobre pessoas machucadas diminuindo a guarda o suficiente para buscar conforto. Alison, de Vulture, Willmore ecoa esses sentimentos: Lawrence e Henry têm uma química quente e calorosa, e esse relacionamento parece realmente guiar onde o filme acaba, em vez de o contrário. E na lista de reprodução, Charles Bramesco tem pensamentos semelhantes, escrevendo: Juntos, eles constroem um par de pessoas totalmente reais, no entanto, confinadas a um universo dramático mais propenso a artifício. Mas os prazeres do primeiro geralmente superam a irmandade deste último, com Lawrence e Costar Brian Tyree Henry se uniram como super gerador do magnetismo na tela.

Escrito por Stefani Robinson (Atlanta e o que fazemos nas sombras) e dirigido por Stephen Williams, que retorna aos recursos depois de dirigir episódios de Watchmen, Westworld, Lost e muitos mais nos últimos 25 anos, este período Biopic Stars Kelvin Harrison Jr Jr. (Ondas) como compositor Joseph Bologne, apelidado de Chevalier de Saint-Georges por Marie Antoinette (Lucy Boynton). Incapaz de conter toda a sua vida incrivelmente impressionante, o filme se concentra em seu tempo se esforçando para se tornar o chefe da Ópera de Paris, quando ele se apaixona pela cantora de ópera casada (e branca) Marie-Josephine (tecelagem de Samara). Escrevendo para a lista de reprodução, Charles Bramess afirma que é um tributo bem-intencionado que perde a melodia enquanto se reúne nas notas dadas, mas a crítica de conseqüência Erin Brady acha as performances incríveis de Harrison e Adékoluẹjo, o roteiro inteligente de Robinson e Williamss 'Direção salvá-lo de sua dependência de tropos biográficos. A Lovia Gyarkye, da THR, vê uma biografia exuberante, mas cambaleante, que levanta Saint-Georges dos anais da história da música e o transforma em uma estrela de rock-um Jimi Hendrix clássico, se você quiser. E Kate Erbland, da Indiewire, acredita: Mesmo quando está atingindo notas falsas, Chevalier deslumbra por causa da magia inexplorada de seu personagem central.

A lendária cineasta de 92 anos, Frederick Wiseman, muda de marcha de longos documentários (prefeitura, em Jackson Heights, Galeria Nacional) para curtas características narrativas com este retrato de 64 minutos de Sophia Tolstoi, inspirado por seus diários e cartas para o marido de 36 anos, Leo Tolstoi. Filmado em La Boulaye Garden em Belle île, o filme é um monólogo entregue por Nathalie Boutefeu como Sophie, contando a alegria, a paixão, a acrimônia e a disfunção de seu casamento. O Wendy IDE do Screen Daily encontra Couple Theatrical e um pouco inerte como cinema, e em sua resenha para a lista de reprodução, Marshall Shaffer afirma que o filme nunca consegue transcender suas origens como um projeto pandêmico precioso. Among its admirers, The Guardian's Peter Bradshaw believes it's a a kind of working-through and pacification of emotional agony and a valuable and insightful pen-portrait, while Leslie Felperin of THR praises Boutefeu's intense, galvanic performance, and A hora estranhamente grávida e pesada de entretenimento que produz.

A escritora-diretora Joanna Hogg acrescenta uma coda um pouco menos bem-sucedida a seu dueto muito pessoal e aclamado pela crítica-a lembrança e a lembrança: Parte II-com essa história fantasma estrelada por Tilda Swinton em duplos papéis como Julie (originalmente interpretada pela filha de Swinton, honra Swinton Byrne) e sua mãe Rosalind. Situado nos tempos contemporâneos, dughter segue Julie enquanto ela leva sua mãe viúva a um hotel deserto no País de Gales, na esperança de fazer um avanço em um filme sobre sua mãe. É um trabalho menor de Hogg, de acordo com Robbie Collin, do Telegraph, e John Bleasdale, de Cinevue, que acrescenta: É aconchegante, inofensivo e, com menos de noventa minutos, satisfatoriamente curto, mas infelizmente não tem um argumento particularmente forte para sua própria existência. Escrever para a Variety, Jessica Kiang observa: O elenco duplo de Swinton, que é previsivelmente excelente em ambos os papéis, é certamente a chave para a filha eterna, mas se liberta o filme ou trava-o mais longe. O louvor ao filme vem de Carlos Aguilar, cuja revisão do TheWrap descreve como um labirinto atmosférico de reflexões e projeções com um Swinton duplamente surpreendente. E Stephanie Zacharek, do Time, escreve: A filha eterna não é apenas uma história de fantasmas, mas uma música, cantada por uma filha para a mãe do outro lado de uma pequena mesa no jantar, ou do outro lado do espaço que permanece quando as pessoas que amamos nos deixaram.

O cineasta do documentário Ryan White (Assassinos, Ask Dr. Ruth, o caso contra 8) dirigiu um documentário carinhoso e emocional sobre o espírito e a oportunidade do Mars Rovers, que é uma celebração animada da nerdidade descarada e da solução de problemas entusiasmados, De acordo com Daniel Fienberg, da Thr. Usando o vasto arquivo da NASA, novas entrevistas e efeitos da ILM, Boa noite Oppy é mais do que apenas um documentário; É um filme de animação também-e um extremamente divertido nisso, escreve Peter Debruge, da Variety. Para o crítico diário da tela, Tim Grierson, é talvez muito agressivamente se sentir bem em sua abordagem e, no entanto, é difícil resistir ao que é emocionante nessa história da exploração espacial. E David Ehrlich, de Indiewire, concorda, concluindo: Boa noite Oppy torna as jornadas dos Rovers com termos de sentimentalismo tão opressivo que pode ser difícil sentir todo o peso da reverência e se perguntar que o filme cai em seu colo.

O diretor dinamarquês Tobias Lindholm (um seqüestro, uma guerra) faz sua estréia em inglês com esta adaptação do livro de Charles Graeber-a boa enfermeira: uma verdadeira história de medicina, loucura e assassinato sobre o assassino em série Charles Cullen (Eddie Redmayne), que matou Pelo menos 29 pessoas nos anos 90 e 2000. Jessica Chastain interpreta a boa enfermeira titular que tenta trabalhar com a polícia para levar Cullen à justiça. É um saco misto de choque, horror e frustração, de acordo com Benjamin Lee, do Guardian, enquanto um Chris Evangelista de /decepcionado igualmente o encontra estranhamente plano. Em uma nota mais positiva, John Defore, de THR, pensa nurse ser uma tragédia de crimes verdadeiros emocionantes, mas refrescante, não manipuladora. Redmayne brilha-é tão texturizado quanto seu trabalho anterior. Para uma opinião diferente sobre Chastain e Redmayne, leia a revisão de Charles Bramesco para a lista de reprodução na qual ele afirma que um espectador se sentirá mais do que seguro por nomear [Redmayne] o pior ator vivo a manter um Oscar.

O drama da escola secundária dos anos 90 é baseado no livro de memórias mais vendido de mesmo nome por irmãs gêmeas e artistas pop indie indie indie, Tegan e Sara Quin, que são tocados no show de Tiktok Stars Railey e Seazynn Gilliland. Enquanto a maioria das críticas chegará no próximo mês antes da estréia de streaming do programa, alguns críticos avaliaram os três primeiros (de oito) episódios que estreou em Toronto. Dirigido por Clea Duvall (temporada mais feliz), que também atua como showrunner ao lado de Laura Kittrell (Insecure),High School_ é um relógio imersivo que é [f] de personagens agradáveis e momentos intensamente relacionados de drama e decepção para exclamar Alex Hudson. Kristy Puchko, de Mashable, também elogia uma série que é doce e silenciosamente devastadora, enquanto Ben Travers, de Indiewire de apenas uma história de Tegan e Sara Origin.

O recurso de estréia de Elegance Bratton segue Ellis French (Jeremy Pope) quando ele se junta aos fuzileiros navais para escapar dos sem-teto e se reconectar com sua mãe (Gabrielle Union). Inspirado por sua própria vida, Bratton narra a luta de Ellis para esconder sua identidade sexual à medida que sua atração por um instrutor de perfuração (Raúl Castillo) cresce. Para Ethan Vestby, do cenário do cinema, é uma obra de maturidade emocional e uma promessa falha, embora altamente convincente, de um novo dramaturgo talentoso no cinema americano. _A inspeção também é um filme de broca e uma estreia narrativa realizada, de acordo com David Rooney, de Thr. E Tim Grierson, do Screen Daily, vê um drama emocionalmente carregado de contornos familiares, mas um olhar perceptivo sobre masculinidade e os militares. Peter DeWuge argumenta que Pope dá uma performance de carreira em sua revisão de variedades, e esse sentimento é apoiado por Chris Evangelista em /filme: O desempenho de Pope é tão crua, tão honesto que estamos com ele a cada passo de o caminho.

Rivalizando com apenas os picos de David Lynch (uma influência clara) por sua mistura de horror sobrenatural, comédia sombria e estranheza e fora, a série de TV de hospital dinamarquesa de Lars von Trier O reino. posteriormente refeito na América por nada menos que Stephen King, mas não com sucesso.) Mas se Lynch poderia trazer _peaks de volta para outra rodada, por que não pode Von Trier fazer o mesmo com o reino? E assim temos exodus, um terceiro (e disse ser final) de cinco episódios, todos dirigidos por Von Trier e apresentando uma mistura de rostos antigos e novos (incluindo, respectivamente, Udo Kier e Alexander Skarsgard), com o último grupo Principalmente substituições para atores que morreram desde a minissérie anterior. Desta vez, o diretor fica, bem, Meta quando ele abre a série com uma mulher irritada ao assistir a temporada anterior e acabar com o hospital infernal.

Conte o Charles Bramesco da lista de reprodução entre os maiores fãs de exodus; Ele admite que a longa sombra de David Lynch paira sobre a série, mas admira como os novos episódios fazem conversas [e] com seu próprio passado e com a penumbra sinistra da própria história, acrescentando a ênfase da sitcom-adjacente Na leviandade... não faz nada para prejudicar as vibrações nocivas que irradiam de todas as cenas. O crítico de variedade Peter DeBruge também observa que exodus é mais brincalhão do que os fãs podem esperar, mas que a leviandade com certeza torna esse retorno exagerado... muito mais divertido. No The Guardian, Xan Brooks se diverte um pouco menos com o show; Ele adverte que a velha magia negra não é tão potente desta vez, mas acrescenta, o reino: Êxodo contém selvagem e estranheza suficientes para satisfazer a base de fãs. Martin Tasi, do Wrap, vê uma entrada digna em uma série icônica e concorda que os fãs de longa data o acharão entretenimento e vale a pena a espera do quarto de século. Mas o Robbie Collin, do Telegraph, vê apenas um fino esbelto nostálgico, com piadas antigas de corrida revividas e não muito no caminho do show de carisma e do diretor de imagens do Anticristo e da Melancolia.

O novo _KingDom-bem como o normalmente impossível de transmitir a primeira e a segunda temporadas-será disponibilizado aos assinantes de Mubi nos EUA e no Reino Unido em algum momento nos próximos meses.

Laure de Clermont-Tonnerre (o Mustang) dirige esta mais recente adaptação do romance clássico de classe de Class, Love and Sex de D.H. Lawrence. Emma Corrin (A Crown) interpreta Lady Chatterley, uma mulher de privilégio que começa um caso com o guarda-caça (Jack O'Connell) na propriedade onde mora com seu marido com deficiência. O crítico do LA Times apenas Chang considera o novo Chatterley ser vibrante e inteligente, e Kate Erbland, da Indiewire, acredita que é uma linda, sonhadora e muito sexy, uma opinião sobre o material, observando que isso ainda é o amante de Lady Chatterley. (E, para não ser grosseiro: as cenas de sexo são realmente gostosas). Em sua revisão para o TheWrap, Tomris Laffly afirma: Há lealdade e frescura nessa opinião para aqueles que já estão profundamente familiarizados com o livro de Lawrence. E para aqueles que não são: você está em uma bela introdução a essa saga feminina de despertar sexual, atribuído a algo antigo e algo novo, e bastante erotismo franco, coreografado e realmente fumegante, com muita falta no mainstream cada vez mais estéril de hoje cinema.

História True: Em 2012, os restos do rei Richard III-mortos em batalha em 1485-foram descobertos sob um estacionamento em Leicester, Inglaterra, graças em grande parte aos esforços de longo prazo de um grupo de historiadores amadores e um dos Seus oficiais, Philippa Langley (interpretados aqui por Sally Hawkins, cuja performance é um destaque inequívoco). O mais recente do aclamado diretor Stephen Frears (a rainha, alta fidelidade) dramatiza-com um pouco de talento fantástico-a jornada de Langley, muito derrotada e os numerosos obstáculos ao longo do caminho para seu triunfo final. King também se reúne Frears com seu colaborador da Philomena, Steve Coogan, que novamente co-estrelou e escreve o roteiro (junto com um Jeff Pope, também retorno). Seu último conto de azarão não está ressoando tão bem com muitos críticos, embora alguns certamente gostem. Ross Bonaime, de Collider, por exemplo, pensa que o rei perdido trabalha por causa do elenco convincente à mão. E a Screen Daily's Wendy IDE chama King a um relato vencedor, se caprichoso, de uma mulher comum, alcançando o extraordinário. Mas o crítico guardião Peter Peter Bradshaw vê um filme peculiar e tonamente incerto que ele considera uma falha de ignição, enquanto Kate Erbland, de Indiewire, avisa de um caso bastante alegre que é apenas parcialmente recuperado por seu ato final mais animado.

O filme será aberto nos cinemas no Reino Unido no próximo mês, mas ainda não terá uma data de lançamento na América do Norte.

O mais recente do escritor japonês-diretor Kôji Fukada (Harmonium, The Real Thing) é um drama sobre como diferentes membros de um família lidam com o luto após um trágico acidente. Em sua resenha para a Variety, Guy Lodge reconhece que é impossível não ser afetado em algum nível pela situação infernal de seus personagens, mas ele sente a suavidade predominante do tom aqui tende a ser o Wispy. Escrevendo para o TheWrap, Elizabeth Weitzman está mais impressionada com o cinema de Fukada: Cada moldura cuidadosa e uma tomada desconfortavelmente longa é composta com infinita paciência. Ele então os constrói em justaposições irônicas e pesadas, enquanto suas configurações apertadas se enchem de pessoas separadas por profundos tesouros emocionais. David Ehrlich, de Indiewire, dá esse melodrama enormemente pungente contado ao volume de um sussurro quebrado um B+, e Rory O'Connor, do cenário do cinema, também escreve, o filme de Fukada está no seu melhor ao caminhar esta linha tênue entre a seriedade e absurdo. As curvas de ponta da faca, navegadas habilmente pelo diretor e pelo elenco, são o que o fazem-depois de um tempo, pelo menos-corretamente tick.

O diretor Mark Mylod tem alguns recursos (Ali G Indahouse sendo um), mas ele é mais conhecido por dirigir a TV, incluindo episódios de entourage, game of Thrones, shamess e, mais recentemente, succion. O último faz dele um bom ajuste para este thriller sombrio cômico que inclina os clientes ricos em um restaurante isolado administrado por um chef dominador interpretado por Ralph Fiennes. Os convidados do jantar são interpretados por Janet McTeer, John Leguizamo, Judith Light e Nicolas Hoult, cuja data de última hora é Anya Taylor-Joy (uma presença imprevista que interrompe os planos do chef). O Benjamin Lee, do Guardian, acredita que existem alguns momentos fantasticamente ridículos, e enquanto o trama ao seu redor pode parecer reaquecido, há performances de estrelas Michelin suficientes de ambas as extremidades do espectro para mastigar com um Hong Chau, assustadoramente eu em cima. Em sua resenha para a THR, Lovie Gyarkye escreve: Isso se entrega a oportunidades de retirar o imperador de suas roupas e, embora isso não se traduz necessariamente para o comentário social mais revelador, isso contribui para um passeio divertido. E em sua resenha para a tela diariamente, Wendy IDE admite que o menu não é sutil, mas é uma imagem de broca e muito engraçada.

Inspirado por sua própria experiência em lidar com uma mãe doente, o terceiro recurso de escritor-diretor Andrea Pallaoro centra-se na Monica Titular (Transparent de Trace Lysette), uma mulher trans que se afastou de sua família do Centro-Oeste por anos, mas volta para casa depois de aprender que sua mãe (Patricia Clarkson) está morrendo. O retrato íntimo do drama de seu personagem principal é aprimorado pelas decisões estilísticas de Pallaoro, incluindo filmar o filme em uma proporção de academia. Mas essa escolha não funciona para o crítico Jon Frosch, que recebe o elenco de Lysette, mas rejeita _monica como um exercício lento de formalismo que toca como algo que vimos inúmeras vezes antes de decompor em apetrechos de auteuramento. A maioria dos críticos, no entanto, tem coisas mais gentis a dizer sobre monica. A Scren Daily, Fionnuala Halligan, admira principalmente um drama silenciosamente atencioso e impressionante, apoiado pelo poderoso e internalizado performance de Lysette, mesmo que seja um pouco lânguido às vezes. E Jude Dry, da Indiewire, elogia um filme sobressalente, mas comovente, que levanta o bar para histórias trans na tela.

O mais recente do escritor-diretor Rodrigo Garcia (nove vidas, Albert Nobbs, quatro bons dias) estrela Ewan McGregor e Ethan Hawke como meio-irmãos do título. Divisados por anos, cada um sofreu sob a crueldade do pai, mas eles se reúnem para o funeral, descobrindo os outros (Maribel Verdu e Sophie Okenodo) que o conheciam de maneira diferente. Maya E. Gates, da lista de reprodução, encontra pouco para louvar além de Hawke e Okonedo nesta comédia negra, que é calculada mal em quase todos os níveis. Escrevendo para a variedade, Tomris Laffly afirma que este filme curiosamente alienante tem Little Original to Offer, mas Allan Hunter, do Screen Daily, acha que sempre se envolve e aumentou consideravelmente pelos esforços de um excelente elenco de conjuntos. Também positivo no filme é Michael Rechtshaffen, da THR, que o declara tão ternamente observado quanto é engraçado de rir.

Quando ele não está compartilhando o tempo de tempo com Grogu ou escrevendo romances, Werner Herzog, agora com 80 anos, pode ser encontrado atrás da câmera, mais frequentemente do que não dirigir um documentário. Seu mais recente recurso de não-ficção encontra o alemão que entra na estrada com o neurobiologista hispano-americano Rafael Yuste para explorar a vanguarda da pesquisa cerebral e iluminar não apenas a ciência, mas também as questões éticas e filosóficas levantadas pela neurotecnologia. (E o assunto de man on wire faz uma aparência surpresa.) O resultado é leve-e em todo o mapa [neural]-mas divertido, de acordo com os revisores. O repórter de Hollywood, Sheri Linden, é certamente um fã, chamando thought uma de suas perguntas mais penetrantes até agora. David Ehrlich, de Indiewire, considera um documentário caracteristicamente divertido, enquanto Ross Bonaime, de Collider, pensa [eu] [Herzogs] Childwike Wonder que realmente faz o teatro de pensamento. Mas o crítico da lista de reprodução Jason Bailey não está entretido; Ele sente o mais recente de Herzog é um dos mais fracos e reclama de surpreendentes erros amadores no cinema.

De acordo com Rafael Motamayor, da IGN, o recurso de estréia do diretor Eric Appel faz para a biografia musical o que o verdadeiro estranho fez por muitas músicas pop de sucesso: isso faz sarro, reverencia, o remixa, o torna mais estranho e o melhora. Appel escreveu o roteiro com Yankovic e, embora não esteja com força, como observam Ross Bonaire de Collider (e outros críticos): É um olhar absolutamente charmoso e muitas vezes hilário do maior músico de paródia do mundo, repleto de um excelente elenco que deseja para prestar homenagem a esse homem estranho.

Votou o vencedor da seção Midnight Madness pelo público da TIFF (superando o recém-lançado Horror Prequel pearl), weird estrelou Daniel Radcliffe como Al, enquanto Evan Rachel Wood interpreta Madonna como uma namorada psicótica e sedenta de fama em um filme que John's Thro's John's interpreta Defore acredita: é um espírito afim para suas músicas sem ter tão faminto por gag que esquece como contar uma história. Em sua resenha para a lista de reprodução, Charles Brames acrescenta: Essa almofada de um filme levanta o conceito do menor denominador comum até os altos altos dos gostos esotéricos e, ao fazê-lo, se aproxima da essência da arte do que todos os seus antepassados e auto-importantes e retos. Parece um filme que se atreve a ser estúpido e é melhor para isso.

A última maravilha de stop-motion do diretor Henry Selick (Coraline, o pesadelo antes do Natal) conta a história de Kat Elliot (dublada por Lyric Ross) e seus demônios Wendell (Keegan-Michael Key) e Wild (Jordan Peele). Escrito por Selick e Peele, o roteiro aborda muitos tópicos-incluindo lidar com a dor, a reabilitação juvenil, o complexo industrial da prisão e o flagelo de capitalismo corrupto-e alguns críticos, incluindo Tim Grierson, do Screen Daily, admiram as ambições dos filmes, enquanto desejava que suas inúmeras fios narrativas fossem mais simplificados. Emma Stefansky, de Indiewire, ecoa esse sentimento, pensando que o filme poderia ter sido melhor servido escolhendo um ou dois temas, mas ela ainda dá um a-, alegando que é uma alegria vertiginosa, hilariantemente grosseira e sinceramente sincera, com O tipo de atenção nojento aos detalhes que faz dos filmes de Selick uma experiência tão visceral.

Chase Hutchinson, de Collider, encontra a jornada do KAT mais do que um pouco anárquico e em todo o lugar, enquanto ainda é fundamentado em uma experiência emocional sentimental, porém nítida,. E o crítico da Vanity Fair, Esther Zuckerman os demônios do submundo.

Com seu acompanhamento para a mãe!, Darren Aronofsky dirigiu outro filme que gerará muita conversa. Escrito por Samuel D. Hunter (adaptando sua própria peça), A Whale estrelou Brendan Fraser (em uma performance muito elogiada) como um professor de inglês gravemente obeso que tenta se reconectar com sua filha adolescente (Sadie Sidie de Stranger Things) enquanto sua saúde continua para deteriorar-se. Em sua resenha para Polygon, Katie Rife aborda a recepção divisória do filme, escrevendo: Para ser justo, algumas pessoas desfrutam desse tipo de miserabilismo. Mas esses espectadores também são avisados de que não apenas esse filme é difícil de suportar e provavelmente será ativamente prejudicial para alguns públicos, como também é um reforço de autoatendimento do status quo-que é uma das coisas mais chatas que um filme pode ser. O Peter Bradshaw, do Guardian, salva seus pontos positivos para Fraser e Hong Chau como seu amigo/enfermeiro, mas quando se trata do filme como um todo, é um filme vaidoso, hammy e gettery e uma surpreendente decepção: os escritos se apegam; A narrativa é artificial e pouco convincente e todo o filme tem uma estranha linguagem corporal de aprovação, como se estivesse lidando com seu próprio assunto doloroso com luvas infantis e nos pedindo para fazer o mesmo.

Da mesma forma, Sarah Kurchak, da conseqüência, teme que Fraser seja tão bom-tão totalmente humano-no papel que pode ofuscar a extensão dos problemas com este filme para muitos espectadores. Qualquer sentimento que você possa conectar a Charlie, além do nojo ou da pena, é 100 % devido aos esforços de Fraser. Esses esforços substanciais não são suficientes para superar a podridão no coração deste filme. Owen Gleiberman, da Variety, concorda que o filme simplesmente não é tão bom quanto o desempenho de Brendan Fraser, mas acredita que merece ser visto. Os defensores do filme incluem o crítico de Telegraph, Robbie Collin, que afirma que é uma parábola penetrante e compassiva sobre graça e reconciliação, contada com força verdadeiramente bíblica, e John Bleasdale, de Cinevue, que afirma: Ao lado do lutador, a baleia é Aronofsky no seu mais compassivo. É um convite gigantesco para empatia e compreensão.

Com seu primeiro recurso em quinze anos, o diretor Shekhar Kapur passa do drama de prestígio (Elizabeth, Elizabeth: The Golden Age) para a comédia romântica com a história de uma jornada de cineasta (Lily James) que decide documentar seu melhor amigo (Shazad Latif) para casamento arranjado. Trabalhando com um roteiro de Jemima Khan, Kapur produziu um filme que parece e parece grande, deslizando entre continentes e culturas, localização e localização e localização, mas, de acordo com o Benjamin Lee, do Guardian, enquanto nunca chega a emoções do O mesmo tamanho [...] é difícil resistir. Para o crítico Michael Rechtshaffen, o toque de alma de Kapur [...] atinge todas as marcas desejadas e serve como uma classe mestre em como aderir fielmente ao modelo clássico de comédia romântica e ainda assim emerge com algo que entrega deliciosamente em ambos os lados do hífen.

O acompanhamento do escritor-diretor Noah Baumbach sobre sua história de casamento aclamada pela crítica o reúne com uma das estrelas desse filme, Adam Driver, para uma adaptação do supostamente inacessível-e possivelmente ainda não filmável, como alguns críticos parecem implicar-1985 Novel por Don Delillo. Motorista interpreta Jack Gladney, professor de estudos de Hitler e marido de Babbette de Greta Gerwig e pai de sua filha adolescente Denise (Raffey Cassidy), sua irmã mais nova Steffie (maio de Nivola), seu próprio filho adolescente, Heinrich (Sam Nivola), e o Filho mais novo, que é seu único filho juntos. Essa família nuclear é forçada a fugir de sua casa após um evento tóxico no ar e lidar com a possibilidade de felicidade no meio da morte, dependência de drogas, infidelidade e consumismo.

Richard Lawson, da Vanity Fair, acredita que é um filme respeitoso e respeitável, de uma falha, imaginando o que é o porquê de animação do filme. Esse pensamento é ecoado por Stephanie Zacharek do tempo, que escreve: É difícil saber exatamente o que Baumbach está indo aqui, além de talvez nos lembrar que a chave para viver é apenas sobre sua vida. O bilge de Vulture Ebiri admite que o filme é certamente desigual-muito, provavelmente por design-, mas também nunca é chato, sempre ansioso para jogar algo novo no espectador, e está ansioso para se divertir. E em sua resenha para a lista de reprodução, Jessica Kiang elogia o elenco uniformemente ótimo e descreve o filme como um museu de neurose pré-milenar com curadoria de curadoria-que é inegavelmente agradável de andar, assustadoramente bem feito e estranhamente dedicado a fazer O espectador parece os últimos quarenta anos ou mais nunca aconteceu. Dando ao filme 5/5 estrelas, o Peter Bradshaw, do Guardian, chama o ruído de White_ de espetáculo fascinante e revigorante, enquanto John Bleasdale, da Cinevue, afirma que é uma das melhores comédias políticas contemporâneas dos últimos anos.

Sebastián Lelio (Gloria, uma mulher fantástica, desobediência) impressionou os críticos mais uma vez com essa adaptação do romance de 1862, de 1862, da autora da sala, em uma performance descrita como monumental por Stephen Farbers), que viaja para viajar A Midlands irlandesa para observar uma menina de 11 anos que sobreviveu a meses sem comida, tornando-a um santo para muitos em sua pequena vila. Co-escrito com Alice Birch, que escreveu a fuga de Pugh, Lady Macbeth, este thriller psicológico é uma desquitacção inteligente e sutil sobre a necessidade de ceticismo e fé, com um entendimento particularmente agudo dos usos e abusos da religião, de acordo com o LA Times crítico Justin Chang. David Ehrlich, de Indiewire, acha rico em pequenos exemplos que servem um ainda maior, mas deseja que fosse mais longo: impressionante, pois é que a maravilha é capaz de espremer tanto de suas armadilhas espartanas, o filme ainda se sente cortada aos 110 minutos; Pode não haver muito o que mastigar, mas há quase muito o que saborear. Também encontrando muito o que desfrutar é Tomris Laffly, do Thewrap, que proclama esse conto profundamente feminino de coragem com coração e dentes para ser o melhor carreira para Lelio, um psicodrama triste e texturizado que cuidadosamente cuidam de esperança e serenidade espiritual.

as decepções

Adaptado pelo criador da parteira Heidi Thomas da peça de Alan Bennett (The History Boys) 2018 e dirigida por Richard Eyre (Iris, notas sobre um escândalo, as crianças agem): Esse drama assistível e não exigente rola com a capacidade, animada por bennettian inconfundível Gags e Drolleries que aparecem a cada minuto-mais ou menos, escreve Peter Bradshaw, do Guardian. Situado na unidade geriátrica de um hospital de Small Yorkshire, Inglaterra, ameaçado de encerramento, o filme apresenta uma infinidade de talentos de atuação (Judi Dench, Jennifer Saunders, Derek Jacobi, Jesse Akele, David Bradley), mas, de acordo com Gregory Ellwood, da Playlist, Um ótimo elenco, um cineasta notável e material de fonte fina nem sempre coalesce. O Guy Lodge da Variety chama as inconsistências do filme quando ele escreve: Isso didaticamente chama a hipocrisia governamental, ao mesmo tempo em que exponha elementos corruptos e ineficiências dentro da própria instituição preciosa. Isso protege suas apostas politicamente entre Keening nostálgico para uma Grã-Bretanha mais gentil e mais justa de antigamente e defendendo uma reforma socialista de cima para baixo. Ele vacila tonalmente entre comédia aconchegante e polêmica frontal. Mas para Robbie Collin, do Telegraph, lelerujah é irônico, astuto e empolgante.

O primeiro recurso de Alejandro González Iñárritu desde o melhor diretor consecutivo dos Oscars para Birdman ou (a virtude inesperada da ignorância) e o Revenant (sim, ele conquistou o Mad Max: George Miller, da Fury Road), atualmente é seu filme mais revisado sobre Metacrítico. Esses filmes anteriores tinham seus fortes detratores, mas sempre eram minoria. Não dessa vez.

Para esta história de Silverio (Daniel Giménez Cacho), um renomado jornalista e documentário mexicano L